Cos’è il chiaroscuro?

Chiaroscuro si riferisce all’uso della luce e dell’oscurità per creare l’illusione di un volume tridimensionale su una superficie piana. Il termine si traduce in “chiaro-scuro“; chiaro significa chiaro (le zone in luce) e scuro significa (le zone in ombra).

Il termine è anche usato in un senso più stretto per descrivere opere d’arte che mostrano un contrasto estremo tra luce e buio, come il dipinto qui sotto.

Michelangelo Merisi De Caravaggio, Saint Jerome Writing, 1607

Antiche radici

Il chiaroscuro nell’arte può essere fatto risalire all’opera di Apollodoro Skiagraphos, un pittore greco che utilizzava ombre tratteggiate per suggerire il volume. 

Nessuna delle opere di Skiagraphos è sopravvissuta, ma esempi della sua skiagrafia o tecnica di “pittura delle ombre” possono essere visti in altre opere d’arte ellenistiche come la “Caccia al cervo”, un mosaico di tappeti del IV secolo aC proveniente da una ricca casa macedone.

Qui sotto possiamo vedere una scala tonale di 7 livelli di grigi in ordine progressivo, dal tono più chiaro al tono più scuro.

Gnosis, Stag Hunt Mosaic, c.300 BCE

Chiaroscuro durante il rinascimento

Nel XV e XVI secolo, l’interesse per tutte le cose classiche vide gli artisti del Rinascimento adottare e migliorare le precedenti tecniche di ombreggiatura.

Il primo maestro rinascimentale a sviluppare le tecniche di ombreggiatura esistenti per ottenere un vero effetto chiaroscuro fu Leonardo da Vinci. 

Da Vinci ha dato vita e volume ai suoi disegni, dando maggiore vita al chiaroscuro nell’arte, iniziando con i toni scuri su carta colorata, poi spostandosi verso i toni più chiari, e infine aggiungendo i punti salienti, di solito con guazzo bianco o gesso.

Di seguito è riportato un ottimo esempio di una sua opera. Osserva l’attenta resa del valore da scuro a chiaro.

L’immagine qui sotto ci fa capire come si differenziano le gradazioni a seconda della numerazione della matita.

Leonardo da Vinci, Virgin and Child with St Anne and John the Baptist, c.1500 CE

Da Vinci ha usato carboncino o gesso nero per disegnare i soggetti su carta colorata marrone.

Ha creato l’illusione delle ombre (nelle pieghe dei loro vestiti, sui loro volti e colli, ecc.) Costruendo gradualmente strati di gesso sempre più chiari.

Ha usato il gesso bianco per evidenziare aree importanti, come i volti del bambino e degli altri soggetti. Se guardi la parte inferiore del disegno, puoi vedere parti del disegno incompiuto, senza alcun rendering.

Caravaggio

Caravaggio, La vocazione di San Matteo, 1599-1600

Tenebrismo

L’uso di grandi macchie di sfondo nero combinato con soggetti ben illuminati è così strettamente associato al lavoro di Caravaggio che viene definito caravaggismo . Un altro termine per questo stile di chiaroscuro è tenebrismo , che deriva dal termine italiano tenebroso, che significa oscuro, cupo o misterioso.

Caravaggio, David con la testa di Golia, 1610

Nel dipinto sopra, David assume un aspetto luminoso quando la luce cade su di lui dalla sinistra del dipinto. È stato dipinto con toni e bordi morbidi. Inoltre, nota come le parti di David che sono in ombra si fondono delicatamente con lo sfondo nero.

Al contrario, la testa mozzata di Goliath, con nastri di sangue che ancora fluiscono dal suo collo, viene spinta, leggermente fuori scala, in primo piano in basso a destra. La luce cade più direttamente su Golia, illuminando duramente le ombre dei suoi capelli, la sua fronte corrugata e gli occhi infossati.

Con il dipinto posizionato appena sopra il livello degli occhi, uno spettatore in piedi di fronte ad esso guarderà quasi direttamente il volto della faccia tinta di verde e sovradimensionata di Goliath.